L’Ars nova : 7 clés pour comprendre la révolution musicale du XIVe siècle
Au début du XIVe siècle, quelques musiciens parisiens changent la façon d’écrire la musique. Le changement paraît minuscule : une nouvelle figure de note, et le droit de diviser le temps par deux au lieu de trois. Ses conséquences sont énormes. Elles iront jusqu’à provoquer une bulle pontificale. Ce moment porte un nom : l’Ars nova. Voici sept clés pour comprendre pourquoi ce demi-siècle compte autant dans l’histoire de la notation occidentale.
1. Un traité a donné son nom à toute une époque
Le terme vient d’un traité, Ars nova notandi, « l’art nouveau de noter ». On le date de 1322 et on l’attribue traditionnellement à Philippe de Vitry (1291-1361). Une précision s’impose : les musicologues discutent aujourd’hui cette attribution, et certains doutent même que ce texte ait jamais circulé comme un traité unique. Vitry, lui, a bien existé. Poète, diplomate, il devient évêque de Meaux en 1351 et meurt à Paris en 1361. Par commodité, « Ars nova » désigne donc la musique française des années 1320 à 1380. Au passage, les théoriciens du nouveau style baptisent ars antiqua la polyphonie savante qui précédait, celle des années 1240-1320.
2. La vraie nouveauté : le temps se divise enfin par deux
C’est le cœur de la réforme. La notation du XIIIe siècle privilégiait la division par trois, associée à la perfection de la Trinité. L’Ars nova met les deux divisions sur un pied d’égalité, et les organise à deux niveaux indépendants. Le tempus règle la division de la brève en semi-brèves : parfait (trois) ou imparfait (deux). La prolation règle la division de la semi-brève en minimes : majeure (trois) ou mineure (deux).
Quatre combinaisons deviennent possibles. Transposées dans nos chiffrages actuels, elles correspondent à peu près à 9/8, 3/4, 6/8 et 2/4. Le système mensural est exposé dès 1321 par le théoricien Jean de Murs. Et une figure nouvelle apparaît : la minime, plus brève que tout ce qui existait jusque-là. Pour la première fois, un compositeur peut fixer sur le papier des rythmes complexes sans compter sur la mémoire des chanteurs.
3. Le Roman de Fauvel, laboratoire de la nouvelle musique
Le Roman de Fauvel est un poème satirique attribué au clerc Gervais du Bus : un premier livre en 1310, un second en 1314. Il met en scène un cheval, Fauvel, dont le nom est un acrostiche de six vices de l’époque. Un manuscrit de luxe conservé à la Bibliothèque nationale de France (français 146), établi vers 1316 sous la direction de Chaillou de Pesstain, y insère plus de cent trente pièces musicales. Cinq motets à trois voix attribués à Philippe de Vitry s’y trouvent. C’est l’un des tout premiers témoignages sonores du nouveau style.
4. L’isorythmie : une architecture cachée dans le motet
Puisque les durées sont désormais notables avec précision, on peut les organiser. Le procédé le plus caractéristique du siècle consiste à répéter un même patron rythmique tout au long d’une voix, en général le ténor. Ce patron s’appelle la talea. On l’applique à une ligne de notes empruntée, le color. Les deux n’ont pas forcément la même longueur : elles se décalent, se recroisent, et génèrent une forme d’ensemble.
Attention au vocabulaire : le mot « isorythmie » n’est pas médiéval. Il a été forgé en 1904 par le musicologue allemand Friedrich Ludwig. Les compositeurs du XIVe siècle, eux, parlaient de talea et de color. Pour un élève, l’intérêt est clair : cette structure ne s’entend pas toujours à la première écoute, mais elle se voit sur la partition. C’est une musique qui se construit comme un bâtiment.
5. Le pape s’en mêle
La nouveauté dérange. Le pape Jean XXII promulgue depuis Avignon une bulle restée célèbre, Docta sanctorum patrum. Sa date exacte reste inconnue : elle se situe entre août 1323 et septembre 1324. Le texte reproche aux musiciens d’inventer des valeurs trop brèves, semi-brèves et minimes, de hacher le chant liturgique par des « hoquets », d’y ajouter du déchant et des motets en langue vulgaire. Résultat selon lui : on n’entend plus la mélodie d’origine. La sanction prévue est de huit jours de suspension.
La bulle n’interdit pourtant pas toute polyphonie. Les jours de fête, elle tolère l’ajout de consonances — octave, quinte, quarte — à condition que le chant reste intact. C’est l’un des rares textes officiels de l’Église à légiférer sur une technique d’écriture musicale.
6. Guillaume de Machaut, sommet du siècle
Né vers 1300, mort à Reims en 1377, Guillaume de Machaut est secrétaire de Jean Ier de Bohême de 1323 à 1346, avant de s’installer comme chanoine à la cathédrale de Reims. Il laisse une œuvre considérable, dont vingt-trois motets. Son titre le plus célèbre est la Messe de Nostre Dame, composée entre 1360 et 1365 : cinq parties, quatre voix. En l’état actuel des connaissances, c’est la première messe polyphonique complète écrite par un seul compositeur.
Machaut pousse aussi le jeu d’écriture jusqu’au casse-tête. Son rondeau à trois voix Ma fin est mon commencement est un canon rétrograde : le texte décrit littéralement le procédé musical employé.
7. Après Machaut : l’Ars subtilior
À la mort de Machaut, en 1377, une génération pousse la complexité rythmique à l’extrême. Les musicologues appellent ce style l’ars subtilior, « l’art plus subtil », terme forgé par Ursula Günther en 1963. On le pratique à la cour des papes d’Avignon, chez Jean de Berry, chez Gaston Fébus, jusqu’en Italie du Nord. Le Codex Chantilly en conserve cent douze pièces. Certaines sont notées de façon figurée : le canon Tout par compas de Baude Cordier est écrit sur une portée circulaire.
Ce que l’Ars nova a réellement changé tient en une phrase : l’écriture musicale est devenue capable de fixer le rythme aussi précisément que la hauteur. Tout ce qui suit — la polyphonie franco-flamande, la fugue, la symphonie — repose sur cet acquis du XIVe siècle.
